Пиктореализм в фотографии: что это такое и когда он появился

RetroSearch e10 — Новые веяния. Пикториальность

Двадцатый век, в котором произошло так много, что просто в голове не укладывается.

Действительно, именно в этот период фотография приобрела столько всего нового, что наработок хватает, чтобы сказать наверняка: мы все еще находимся в продолжении и развитий идей ХХ века в большинстве своем.

Поговорив о двух компаниях-гигантах фотопромышленных товаров, вспомнив тех, кто сделал для нас лучшие стекла, попытаюсь разбавить сухие факты и хронологию чем-то новым. И имя этому чему-то “пикториальность”.

Культурное и творческое движение, которое зародилось в ХІХ веке, смогло просуществовать недолго, всего до 1915 года примерно, но оставило на всем фотографическом искусстве настолько глубокий след и родило на свет столько приверженцев этого течения, что не вспомнить о нем было бы глупо. Итак, пикториальная фотография.

В различных источниках звучит по разному: “пиктореализм”, “пикториализм”, но сути это не меняет (не обессудьте). Пикториальная фотография – это культурное течение, появившееся в XIX–XX веке (примерно 1985–1915 годы) и ставшее ответом на нападки ненавистников фотографии касательно ее чрезмерной реалистичности как искусства.

Обратите внимание

Главной особенностью этого течения стало то, что ее приверженцы стремились к картинному фотографическому изображению, которое подражало живописи. В работах фотографов-пикториалистов очень заметны влияния живописи, в особенности символизма, прерафаэлизма, арт-деко. Но ярче всего в таких фотографиях заметен импрессионизм.

Именно поэтому, слыша фразу “импрессионизм в фотографии”, можно смело предполагать, что речь идет не о чем другом, как о пикториализме.

Пикториальная работа Стиглица

Впервые термин “пикториальная фотография” ввел некий английский фотограф Генри Робинсон, опубликовавший в 1869 году книгу “Пикториальный эффект в фотографии”.

В этой книге автор пытался изложить эстетические положения фотографии как инструмента художника, концепцию построения кадра. Робинсон считал, что человек, взявший в руки камеру, должен подчиняться тем же принципам, что и человек, взявший в руки кисть.

Он был недалек от истины. Пикториализм как вид фотографического искусства оставил след не только в культурном плане, но и в техническом.

Генри Робинсон. Один из основоположников течения пикториализма

Одна из ранних работ Робинсона

Для еще большего подражания и сходства с холстом были изобретены и опробованы многие техники печати. Именно так и появился бромойль (или бромомаслянный процесс), суть которого заключалась в дополнительной обработке позитивного изображения.

При этой технике мастера сначала отбеливали, а затем дубили фотоматериал, нанося после на задубленные участки маслянную краску и получая иногда сюрреалистические цвета.

Благодаря новому методу фотографы наконец смогли кистью наносить соли серебра именно туда, куда им было нужно, таким образом выборочно повышая или снижая светочувствительность материала по собственному желанию. Фотографии напоминали рисунки карандашом или красками.

Важно

Вторым типом фотографического процесса стала пигментная печать, которая позволила приблизить снимок к гравюре. Следующим шагом в прогрессировании пикториального течения стало изобретение мягкорисующих объективов, так называемых моноклей.

За счет самостоятельного удаления всех блоков линз, кроме единственного мениска, и того перевернутого, фотохудожники добивались понижения контраста, уменьшения резкости. Это позволяло получать фотографии мягкими без длительной и кропотливой постобработки, передавать туман, дымку. Романтизмом дышали почти все фотографии того периода. Романтизмом и одиночеством.

Нельзя не упомянуть, что в 90-х годах ХІХ века развитие фотографии как искусства пошло в двух направлениях. Первое направление – это бытовые снимки родственников, семьи и прочего вследствие вседоступности и относительной дешевизны фотоматериалов и фотооборудования. Второй же путь принадлежал профессиональной фотографии.

Именно профессионалы-фотографы поняли, что документирование жизни с дотошной фиксацией всех подробностей не сможет сравниться с живописью, что нужно чем-то разбавить сухое выхвативание кадра из жизни. Как всегда, появление таких экспериментаторов привело к многочисленным поискам чего-то нового в фотолабораториях. Так и появилась пикториальная фотография.

Представители этого направления искусства пропогандировали живописный подход к созданию светописного изображения.

Какая же особенность пикториальной фотографии в сравнении с обычной? Естественно, в пикториализме все посвящено художественной передаче сцены, снимаемого объекта,  и лишь только потом выдвигаются требования к технике исполнения и качеству фото.

Не важно, что фотограф будет использовать при этом, какие фокусы, уловки, трюки, обманы. Всё ради достижения цели.

К тому же фотохудожники (именно тогда возникло это слово) никогда не пользовались сложными композиционными приемами, считая, что благодаря особой технике и мягкости изображения они смогут передать те чувства, которые нужно.

Европейские фотографы-пикториалисты стремились поднять светопись до уровня высокого искусства.

Английский фотограф Александр Кейгли был одним из основателей и самым известным участником фотоклуба «Звено», открытого в Лондоне в 1892 году.

Кейгли занимался фотографией на протяжении долгих лет и достиг значительных успехов в пикториализме. Излюбленные мотивы – романтические развалины, пейзажи сельской местности, поляны, пропитанные солнечным светом.

Александр Кейгли

Одна из работ Александра Кейгли

Совет

Великим мастером эпохи пикториального изображения был француз Робер Демаши, который был непревзойденным портретистом. Для создания своих работ Демаши применял особую технику ретуши: он выскабливал плотные тона прямо на негативе.

Работа Робера Демаши

Нельзя также не вспомнить великого чешского фотохудожника Йозефа Судека. Излюбленный мотив его – косо падающий поток света в кадре.  И, напоследок, несколько слов о Георгии Колосове – русском фотографе и фотохудожнике, который много лет снимает пикториальную фотографию на монокль, предпочитая религиозные мотивы.

“Трамвай”, Йозефа Судека

Георгий Колосов

Работа пикториалиста Георгия Колосова, снято на монокль.

Говорить о людях можно много, только вот тема сегодня другая.

Несмотря на столетнюю историю пикториализма и периоды спадов и восходов этого течения, отношение к нему остается очень неоднозначным. Кто-то считает это истинным, единственным и настоящим фотографическим искусством, кто-то считает глупой подделкой под живопись. Но в современном мире выхолощенных фотографий такой снимок никого не оставит равнодушным.

Работа Франтишека Дртикола

Источник: https://kaddr.com/2013/01/retrosearch-e10-novy-e-veyaniya-piktorial-nost/

Пикториальная фотография — стилизация или искусство?

Пикториальная фотография (от английского слова pictorial — живописный) – это направление в художественной фотографии, появившееся в конце XIX – начале XX веков.

Впервые словосочетание «пикториальная фотография» ввел в оборот английский фотограф Генри Робинсон, опубликовавший в 1869 году книгу под названием «Пикториальный эффект в фотографии».

В ней, помимо вышеупомянутого словосочетания, также предлагались некоторые советы и эстетические концепции построения изображения в художественной фотографии. Робинсон, в частности, полагал, что фотограф в своей работе должен подчиняться тем же правилам, что и художник, пользующийся красками и карандашом для создания картины.

Надо сказать, что в конце XIX столетия развитие фотографии пошло по двум направлениям. Это простая бытовая и любительская фотография, преимущественно, со съемкой семейных портретов и пейзажей.

Такая работа казалась излишне скучной и неинтересной целому ряду фотографов, поэтому образовалось другое направление фотографии, основанное на творческих экспериментах, использовании различной оптики и возможностях печатных лабораторий для создания настоящих художественных фотографий.

Так и появилась на свет пикториальная фотография, сущность которой заключается в заимствовании живописных традиций и изощренных приемов для построения художественной формы фотоизображения.

Представители этого яркого направления пропагандировали подход к фотографии как к одному из видов художественного искусства, очень близкого к живописи.

Обратите внимание

Отличия же фотографии от живописи пикториалисты видели только в технической реализации получения изображения.

После нескольких десятилетий забвения пикториальная фотография вернулась в современную фотографическую практику, а значит, есть смысл рассказать о ней более подробно.

Уже на рубеже XIX – XX столетий многие фотографы прекрасно осознавали, что одно только отражение действительности  и документальное сходство не может превратиться в искусство. Поэтому они начали стремиться к тому, чтобы придать своим фотографическим снимкам оттенок загадочности, тайны и выразительности.

Благодаря этому зритель мог бы  увидеть в нерезких силуэтах на фотографии определенный художественный подтекст. Такие уникальные фотографические изображения приходилось создавать вручную, поскольку фотохудожники стремились умышленно исказить реальность на снимке и придать ему художественную выразительность.

Для решения этой непростой задачи применялась специальная оптика и разнообразные растворы при проявке негатива для воплощения тех или иных эффектов.

Использование красителей и йодида серебра, масляная печать, ретуширование – все это и многое другое входило в арсенал творческих приемов пикториальной фотографии.

В основе такого подхода к фотографии лежало распространенное мнение о том, что фотография как искусство должна фиксировать не действительность, а лишь представление о действительности, которое хочет передать зрителю фотограф.

Поклонники пикториальной фотографии в своей работе очень часто использовали такую мягкорисующую оптику, как монокль. Это простой однолинзовый объектив, позволяющий добиваться эмоционального восприятия фотографии, особой воздушности и живописности изображения.

Какие особенности имеет пикториальная фотография? В первую очередь, в отличие от обычной фотографии в пикториальной все нацелено на создание определенного художественного эффекта. Для этого фотограф может использовать самые разнообразные приемы, трюки и даже оптические обманы.

В целом, пикториальные фотоизображения отличаются размытостью силуэтов и отсутствием резкости деталей, что добавляет сходства фотографии с картинами художников-импрессионистов.

Поклонников пикториальной фотографии совсем не интересовали какие-либо социальные темы или реалистичное отображение действительности, их работы несли в себе яркий декоративный эффект и эмоциональность.

Важно

Мягкие образы и отсутствие излишних деталей, пожалуй, являются наиболее узнаваемыми чертами пикториальной фотографии. С помощью мягкого фокуса фотографы могут выразить в снимке свои личные чувства и придать ему глубокую эмоциональную выразительность. В пикториальной фотографии, помимо различных художественных эффектов, всегда большое значение имела простота композиции.

На снимке все линии и формы снимаемого объекта, свет и тени должны подчиняться основополагающему принципу, заключающемуся в визуальной простоте. Для снижения документальности изображения фотографы применяли особые способы позитивной печати, позволяющие добиться меньшей проработки деталей и полутонов, а также стилизации фотографии под обычный рисунок художника или гравюру.

Пикториальная фотография получила на рубеже XX века большое распространение в Европе, а затем и в России. Появился совершенно новый класс фотографов, называвших себя фотохудожниками.

Такие фотохудожники работали преимущественно в жанре портрета, натюрморта и пейзажа, тем самым, еще больше доказывая сходство своих работ с классической живописью.

Особое внимание в изображениях фотохудожников уделялось романтическим пейзажам, женской красоте, обнаженной натуре, цветам и предметам домашней утвари, олицетворяющим красоту. Среди российских фотографов того времени, относящихся к направлению пикториальной фотографии, можно отметить А.О. Карелина, А. Мазурина и Н.

Петрова. Последний внес огромный вклад в разработку теоретических основ пикториальной фотографии, опубликовав множество интересных работ на английском, русском и немецком языках. Российскую школу пикториальной фотографии всегда отличала утонченная эстетика и разнообразие применяемых творческих приемов.

Но пикториализм как одно из направлений фотографического искусства просуществовал недолго. Стремительное развитие фотографии и появление цветных фотоизображений привело к появлению новых направлений, которые фактически вытеснили пикториализм.

Уже к 30-м годам XX столетия пикториальная фотография полностью утратила былую популярность. В нашей стране снижение интереса к пикториализму было продиктовано еще и тем, что пикториальная фотография была объявлена советскими властями антинародной.

Совет

Только в начале 2000-х годов у фотографов вновь возник интерес к пикториальной фотографии. Они начали экспериментировать с различными старинными техниками ручной печати, оптикой и ретушированием фотоизображений.

Появилось два основных направления пикториализма – первое, основанное на применении оптического оборудования, и второе, предполагающее внесение корректив при проявке и изменение стилистики изображений в фоторедакторах.

Читайте также:  Фокусное расстояние объектива что это такое и на что влияет

Конечно, наиболее творческие фотографы пытаются обратиться к опыту прошлого, снимая на камеру с уникальными объективами иногда собственной конструкции. Таким образом, они возрождают забытые технологии и ищут варианты для их современной интерпретации.

Современная пикториальная фотография отличается не сюжетами или темами, а используемыми приемами и техникой, которые превращают обычные фотографии в произведения искусства. Главное для пикториального фотографа – это умение применять те или иные приемы для воплощения своих творческих задумок. Пикториальные фотографии часто печатаются на акварельной бумаге.

Это преимущественно однотонные и одноцветные фотоизображения, отличающиеся мягкостью, глубиной и особой эмоциональной выразительностью. На создание и печать одного снимка у фотографа может уйти несколько дней.

Ведь при печати изображения фотографы-пикториалисты часто экспериментируют с целым набором химикатов, использование которых помогает превратить простые снимки в настоящие живописные картины.

Несмотря на то, что пикториальная фотография имеет уже более чем столетнюю историю, отношение к ней в фотографической среде остается противоречивым. Кто-то считает ее простой, декоративной  стилизацией под живопись, а кто-то настоящим искусством.

Как бы то ни было, одно можно сказать наверняка – пикториальные фотографии пользуются серьезной популярностью у коллекционеров, ведь практически каждое такое фотоизображение создается чуть ли не в единственном экземпляре  посредством уникальной техники обработки негатива.

Источник: Фотокомок.ру – тесты и обзоры фотоаппаратов (при цитировании или копировании активная ссылка обязательна)

Источник: http://www.fotokomok.ru/piktorialnaya-fotografiya-stilizaciya-ili-iskusstvo/

Живописность в фотографии

time_fixer

    Глядя на большинство работ современных фотографов, я часто ловлю себя на мысли, что живу в мире победившего социализма. Почему? Потому что в современной фотографии, особенно портретной и пейзажной, прочно поселились идеалы соцреализма.

Так как у большинства людей плохой вкус, они легко принимают миленькие открытки за хорошую фотографию, особенно если они представлены в виде больших, безукоризненно четких отпечатков.

Эта фотография — чистой воды соцреализм, разве что не такая честная насчет своей программы — неотступно радостная, настойчиво приятная, изображающая мир не таким, какой он есть, но таким, каким он, конечно же, должен быть, без цели разбудить что-либо, кроме самых банальных и сахариново-сладких эмоций.

Обратите внимание

Сравните формулировку ЦК КПСС конца 30-х годов прошлого столетия: «современная советская действительность такова, что смех, радость, улыбка являются характерными чертами нового быта», а «жизнь стала действительно замечательная» с теми фотографиями, что нас окружают…

В портрете безраздельно царствует «гламур» – бестеневой свет, кожа вычищена до состояния резиновой маски фантомаса, голливудская улыбка, зверский «шарп»… В пейзаже – ядреные нереальные цвета, ГРИП от фотографа до бесконечности, гонка за максимальной резкостью…

Но только не подумайте, что я призываю выкинуть топовые объективы, и всем дружно заниматься ломографией… Ни в коем случае. Я всего лишь предлагаю вспомнить, что фотография это не инструмент пропаганды социалистического строя или «золотой американской мечты», а изобразительное ИСКУССТВО, сравнимое с живописью. Именно об этом я и хочу сегодня с вами поговорить.

Итак, чем отличается фотография от живописи? С самого начала становления фотографии в середине 19 века, живописцы обвиняли фотографов в отсутствии эмоций в изображении. Фотографическая пластинка запечатляет окружающую действительность такой, какая она есть.

В противоположность этому живописец пропускает то, что он видит, через себя; привносит в произведение частичку своей души и старается отобразить душу портретируемого или настроение пейзажа. Второе отличие – произведение живописца уникально. Его невозможно тиражировать, любая копия это всего лишь копия, не имеющая отношения к произведению.

В противоположность этому фотография достаточно легко тиражируема и копируема, особенно в наш цифровой век. Ответом на этот вызов живописцев стало появление в фотографии течения пиктореалистов.

Пикториализм (англ. pictorialism, от англ. pictorial — живописный) — течение в европейском и американском фотографическом искусстве конца XIX — начала ХХ вв.

, подчеркивавшее в фотографии те черты, которые сближали ее с живописью и графикой эпохи (импрессионизм, живопись прерафаэлитов, символизм, югендстиль, ар-нуво и др.).

Для достижения подобного эффекта фотохудожники использовали особые техники съемки и печати. Обычно период влиятельности пикториализма ограничивают 1885—1914 годами.

В России пикториальная фотография начинает развиваться с некоторым опозданием. Одним из первых, начавших работать в стиле пикториализма, был фотограф-любитель А.Мазурин (1846–?), работы которого печатались уже с конца ХIХ века в иллюстрированных европейских журналах.

Важно

Российских фотографов-пиктореалистов интересовали проблемы уникального, создания единственного произведения – завершения творческого акта художника-демиурга: и их произведения сохранились в единственных отпечатках не только из-за уничтожения следов культуры «серебряного века» в советский период, но и потому, что пикториалисты после себя оставляли только неповторимые выставочные отпечатки.

Выставка 1935 года, где произведения Иванова-Аллилуева, Еремина, Гринберга, Андреева, Улитина были отмечены грамотами, стала «началом конца» русского пикториализма.

В журнале «Советское ФОТО» в обзоре выставки были упомянуты «традиционные» мастерство и профессионализм фотографов-художников и – без называния имен – началась критика «любования остатками дореволюционной культуры дворянских усадеб и архитектуры старой Москвы» (имелись в виду произведения Еремина, Клепикова, Свищова-Паолы, Гринберга), «изображения никому не нужных сюжетов сельской жизни в период социалистического переустройства деревни» (произведения Андреева, Улитина, Шокина), «ненужной рабочему классу обнаженной натуры» (Гринберг, Еремин). Спустя короткое время были инициированы уголовный процесс против Гринберга (пропаганда порнографии) и политический (клевета на Советскую власть) против Улитина. Эти двое, бывшие лидерами пикториалистов 1920-х-1930-х, получили годы лагерей и ссылок. Остальные, оставшись на свободе, уже не отстаивали свои убеждения единым фронтом. Все более жесткие ограничения выдвигались для участия в выставках как внутри страны, так и за рубежом.

В настоящее время художественная фотография снова возвращается к истокам – к живописи. В России с конца 70-х годов началось возрождение пиктореализма благодаря работам Колосова. Сейчас существует множество фотографов, считающих его своим учителем. Набирает обороты пиктореализм и за рубежом.

Появились даже фирмы, готовые поставлять все необходимое для повторения технологий пиктореалистов позапрошлого века.

Поэтому сейчас так важно отдавать себе отчет в том, что недостаточно просто нацепить монокль на Canon 5D или купить «Хольгу» для того чтобы считаться пиктореалистом, так же как недостаточно просто провести несколько раз кистью по холсту, чтобы стать живописцем. Монокль, гуммиарабиковая печать, цианотипия, лит-процесс и прочее это не более, чем инструмент.

Целью же пиктореализма является выражение личного мировосприятия фотографа-художника, а равно и раскрытие иррациональной составляющей (души) портретируемого или пейзажа (натюрморта, жанра и т.д., что в сущности не важно) через использование этих инструментов, позволяющих как-бы выйти за рамки реальности, показать СУЩНОСТЬ изображаемого предмета…

Предлагаю вам насладиться некоторыми работами известных пиктореалистов 19-20 веков:



Источник: https://time-fixer.livejournal.com/7354.html

Что такое Фотомодерн

Под понятием модерн принято понимать художественное направление в искусстве, отличительной особенностью которого является отказ от углов и прямых линий в пользу естественности.

С момента своего зарождения модерн стремился сочетать в себе утилитарные и художественные функции создаваемых произведений и тем самым вовлечь все сферы деятельности человека в мир прекрасного. Не стала исключением и фотография, но давайте всё же начнем с истоков.

В основе современной не постановочной художественной фотографии в последние десятилетия неожиданную значимость приобрели такие два течения, как субъективизм и новый пиктореализм.

Под субъективизмом принято понимать стремление фокусироваться на отображении внутреннего мира человека, пренебрегая при этом достоверным изображением окружающей реальности, то есть внешней формы объекта. Субъективизм зачастую используется для создания современной стрит-фотографии.

Совет

Новый пиктореализм, напротив, является стремлением придать фотографии живописность, для чего зачастую одновременно используются мягкорисующая однолинзовая оптика и необычные эффекты освещения.

Критики относятся к данным течениям совершенно по-разному: если к пиктореализму отношение снисходительно благосклонное, то к субъективизму – резко отрицательное.

В искусстве фотографии середина и вторая половина XX века были периодом приоритета реальной и видимой Формы. Данный путь развития искусства фотографии изначально кажется довольно простым и понятным, но с другой стороны этот путь очень примитивен и являет собой ошибочное представление реальности.

На смену периода приоритета Формы пришел период господства Идеи, которая позволяла увидеть внутреннюю реальность вещей. Так появился фотомодерн, неразрывно связанный с ассоциативным миром человека, который невообразимо сложен. При этом самому художнику также сложно разделить общечеловеческое восприятие и индивидуальные комплексы и ассоциации.

Таким образом, основной идеей эпохи фотомодерна стал переход от человека внешнего к человеку внутреннему или, как сказал Ортега, «видеть не сад, а окно в сад».

Эпоха фотомодерна сознательно отказалась от приоритета предметной формы и тем самым выбрала путь от формы к идее, от видимого к сути, от внешнего к содержанию.

Данный путь является основой и для современной художественной фотографии. Более того, не исключено, что, следуя по этому пути и сознательно отказавшись от предметной формы, фотомодерн не только не деградирует и не зайдет в тупик, но и сможет сделать свои индивидуальные и оригинальные шаги, которые наметила эпоха искусства в стиле модерн.

Очень точно фотомодерн отображен в культуре Востока, которая всегда определяла человеческое сознание как истинную реальность. Так, для японского художника, рисовавшего гору Фудзи, была важна не только гора, но и смотрящий на нее человек.

Обратите внимание

Это и является основным принципом модерна, который так же относится и к искусству фотографии, поскольку в каждой фотографии всегда присутствует некий вектор пространства-времени.

Один конец данного вектора – это объект фотографирования, другой – фотограф с камерой, благодаря чему конечный продукт (то есть фотография) всегда является результатом выбора не одной конкретной точки, а всего вектора.

Эволюция искусства фотографирования к модерну позволила создать очень точные и подробные описания реальности. Благодаря этому современное искусство фотографии во всех проявлениях своим главным объектом твердо выбрало человека и его многогранный внутренний мир.

Источник: http://vifsaida.com/100-facts/757-chto-takoe-fotomodern

Сконструированная реальность в фотографии: что это?

Практически с того самого времени как появилась фотография, в частности фотография как искусство, появился феномен сконструированной реальности. Данным термином обозначается фотографическая практика, которая предполагает использование различных приемов для того чтобы получить изображение с дополненными элементами, отличающееся от натуры.

В частности разделяют два основных направления работы в направлении сконструированной реальности:

  • манипуляции с отпечатками и негативами (использование фотомонтажа и подобных приемов);
  • встраивание декораций и сцен, то есть расположение в студии или другом пространстве элементов специально для того чтобы сфотографировать полученную композицию, декорации и подобное.

Джулия Маргарет Кэмерон

В 19 веке многие фотографы ориентировались на живопись, в частности на приемы построения композиции и в дополнение к этому использовали сконструированные образы, которые, собственно, и позволяли получить изображение, которое соответствует живописным канонам.

Julia Margaret Cameron — “I Wait” (1872)

Джулия Маргарет Кэмерон является характерной представительницей данного направления. Викторианский фотограф использовала этот прием для того чтобы воплощать стихи Теннисона, различные мифологические сюжеты и многое другое. Она наряжала своих близких и прислугу, выстраивала великолепные поэтические постановки.

Оскар Густав Рейландер

Следует отдельно отметить Оскара Густава Рейландера живописца и фотографа, который изобрел композитную фотографию. Для него фотография являлась по большей части инструментом, который позволяет достигать определенных живописных целей, причем намного быстрее по сравнению с использованием только живописных техник.

Читайте также:  Подарок фотографу на день рождения: что можно подарить

Характерным примером тут является «Два пути жизни», масштабная работа, которая выполнена именно в композитной технике, и которая принесла автору существенную известность.

К слову, Оскар более не делал столь масштабных работ, видимо, немало потрудился над этой, и не удивительно.

«Два пути жизни» делались около шести недель с использованием около двадцати моделей и тридцати негативов, которые в итоге и составляли целостную композицию.

Итак, художник представляет нашему взору крупное изображение-аллегорию. В центре сюжета перед нами два юноши, которым помогает философ и к которым обращаются различные фигуры.

Каждый юноша прислушивается к разными фигурам, один слушает голос пороков: фигуры алкоголизма, безделья и подобные. Другой — фигуры олицетворяющие трезвость и благочестие. Благодаря конструированию кадра художник добивается иносказательного эффекта, создает аллегорию, которая способна затронуть зрителя и несет под собой явный нравоучительный подтекст.

Более всего Рейландер пользовался популярностью за жанровые фотографии. По сути, такие работы представляли собой воспроизведение той или иной бытовой сцены. Причем Оскар нередко брал какую-то сцену увиденную в повседневности, и переносил в студию или делал соответствующие декорации и зачастую в качестве моделей выступали участники подлинных событий свидетелем которых был фотограф.

Тут Рейландер представляет собой характерный пример викторианского художника, который использует определенное соотношение искусства и реализма. Жанровые работы по большей части не были аллегорическими, художественные приемы здесь соответствовали во многом предметам изображения.

Oscar Gustav Rejlander

Основные сюжеты представляют собой изображение типичных представителей среднего и низшего класса. Эти изображения обладают не только художественной ценностью, но и носят некоторый патетический и морализаторский оттенок. Художник нередко пользуется возможностями подчеркнуть основные проблемы классового деления общества, наличия бедности и других значимых общественных феноменов.

Важно

Технология создания таких фотографий представляла собой воспроизведение повседневности. Участники сценок, которые ранее наблюдал Рейландер, замирали в своих непосредственных позах и позировали для того чтобы передать простой быт.

Оскар Густав Рейландер определенно был крупным художником и равно как многие крупные мастера обрел ряд последователей, которые продолжали и развивали идеи заложенные Рейландером. Одним из наиболее интересных последователей является Генри Пич Робинсон.

Генри Пич Робинсон

Этот автор использовал технику многоступенчатого и сложного монтирования и стремился соединить документальный аспект фотографии с возвышенными задачами, которые ставит перед собой художник.

Помимо Рейландера ориентиром для Пич Робинсона служило искусство прерафаэлитов. Работы этих художников, по мнению Робинсона, наилучшим образом сочетали в себе художественный вымысел с реальностью. Как не трудно понять, именно эту концепцию Робинсон и решил воспроизвести, но использовал для этого фотографию, которая выступала как элемент воспроизведения действительности.

Henry Peach Robinson

Вообще в этот период многие фотографы ориентировались именно на живопись.

Они использовали разлучную натуру в сочетании с искусством живописи, разрабатывали теорию художественной фотографии и методы таковой.

Впрочем, об этом упоминалось ранее и вдумчивый читатель вполне сможет самостоятельно осмыслить данный факт и представить себе общее направление развития художественной фотографии в середине 19 века.

Следует разве только отметить укрепившуюся концепцию в сознании многих фотографов и живописцев того времени. Они не считали возможность документального воспроизведения действительности достоинством фотографии, наоборот фотографию считали способной не более чем на подражание живописи.

Безусловно, во многом данный факт определялся отсутствием возможностей мгновенно запечатлеть действительность. В отличии от современных фотографов в тот период требовалось длительно ждать для того чтобы снять негатив.

Совет

Во многом поэтому они делали акцент не в сторону возможности, так сказать, ловить секунды и кадры действительности в объектив, но использовали фотографию как возможность конструирования искусственных миров, которые выглядели подлинными благодаря документальной функции фотографии.

Многое было взято из классической литературы, истории. Предварительно продуманные композиции не представляли собой запечатленное впечатление, но были как бы повествованием на заданную тему.

Начало 20-го века

К началу 20 века фотография обрела множество теоретических изысканий, но фотографов продолжали считать в основном конструкторами дополнительной действительности.

Фотография не обладала превалирующим значением в области передачи зрителю пойманных мгновений, фотографы оставались конструкторами, которые могли только репрезентировать зрителям некоторую мысль, ситуацию или тему.

При этом с годами значимость фотографии в целом возрастала и исследователи активно изучали воздействие фотографии в области политики, психологии.

Как не трудно понять, фотографы стали активно использоваться в области пропаганды и медиа.

Теперь фотограф мог представить ту или иную ситуацию нужным образом и именно в начале 20 века мы наблюдаем расцвет документальной фотографии.

Благодаря обновлению технических средств фотографы теперь могут представить зрителям мгновения действительности, которые способы как бы перенести зрителя к источнику изображения.

Далее (и об этом расскажем далее) многие фотохудожники активно разрабатывают данную тему, исследуют вопрос об исходном источнике для фотографии о перенесении действительности на двухмерное полотно.

Помимо этого в первой половине 20 века появляется и возможность дополнять кадры нужными деталям, конечно, фотографы начинают осознавать собственную власть над кадром и как следствие над сознанием зрителя.

Конструирование образов активно использовалось. В частности тут начали активно использоваться такие приемы как фотограмма и фотомонтаж.

В середине 20 века появляется определенная установка на документализм и конструирование кадров, то есть использование различных манипуляций, в том числе и с негативами становится менее популярной тенденцией.

Фотографы-модернисты того времени активно пользовались возможностью запечатлеть действительность такой какой эта действительность предстает перед камерой, но некоторые все-таки возвращаются к конструированию кадров.

Итак, в 60-70 годы предыдущего века многие фотохудожники явно понимают собственное владение всем пространством кадра.

Обратите внимание

Отсюда появляется новая волна сконструированной реальности и образуются авторские фотографии.

Более того фотографии становятся в целом более авторскими, они теперь не выглядят просто заметкой безвестного автора, но нередко включают в себя историю, некий нарратив, который создает сам фотограф.

Сконструированная реальность в фотографии становится возможностью для авторов делать определенное высказывание в собственных работах. Теперь они могут умело манипулировать содержанием кадров и таким образом создавать нужный эффект. Отсюда возникает немалое количество подобных высказываний на социальные и политические темы.

Если обобщить, то фотохудожники данного периода полностью осознают искусственность кадра и даже реальности, которая запечатлеется в кадре. Как видите, тут наблюдается очередной виток развития фотографической мысли, которая вновь обращается к конструированию реальности, но теперь в новых условиях и с солидным предыдущим опытом.

Томас Деманд

Характерным признаком глубокого развития фотоискусства является активное исследование самими фотографами воздействия фотографии, языка и роли данного искусства в медиасфере.

К примеру, некоторые фотографы иронизируют или явно намекают на чрезмерное доверие у зрителей к документальной фотографии, другие изучают поэтический язык фотографии и открывают новые грани этого языка.

Рассмотрим работы, которые делал Томас Деманд, в качестве яркого примера эпохи.

Thomas Demand — ‘Kontrollraum / Control Room’

Деманд использовал фото из газет и подобных источников и создавал обстановку, которая полностью копировала фото из медиа. Такие инсталляции фотограф запечатлевал и предлагал зрителям. Эти безлюдные интерьеры и пространства становились далекими от изначальной ситуации, но оставались более чем похожими на действительность, хотя искусственность инсталляций автором никак не вуалировалась.

Этот пример относится к концептуальному искусству. Деманд указывает зрителю на наличие огромного количества искусственных образов или образов, которыми изначально манипулировали для получения нужного восприятия. Эти образы зачастую воспринимаются зрителями как источник достоверных сведений, но могут совсем таковыми не являться.

Сэнди Скоглунд

Отметим работы Сэнди Скоглунд, которая тоже создавала инсталляции для того чтобы запечатлеть на фото, но Сэнди в отличие от Деманда не уничтожала свои инсталляции. Более того, художница часто представляла на выставках комплект из фотографии и инсталляции.

Сами снимки Скоглунд не корректировала основное манипулирование выполнялось только с самой сценой, которая готовилась для съемки. Во многом тут речь идет о различных сновидческих образах и других сюрреалистических композициях, в которых часто применяются раскрашенные скульптуры и подобное. При этом особенную роль имеет переведение трехмерного образа в плоскостную форму фотографии.

Многие художники активно исследуют данную тему, они разбирают как фотография интерпретируется зрителем, как зритель из двухмерного изображения понимает изначально запечатленную действительность. Фотография также представляет собой набор определенных художественных кодов, которые появляются посредством переведения объектов действительности в плоскость.

Джефф Уолл

Теперь отметим очередной виток развития фотографии, который возвращает нас определенным образам к работам Рейлендер. Точнее обращается к Рейландеру Джефф Уолл – художник из Канады. Уолл создает своеобразную историческую живопись, которая позволяет запечатлеть разнообразный опыт повседневности.

Джефф Уолл один из самых дорогих фотографов современности.

Если рассмотреть технику, то Уолл практически копирует работу Рейландера. Джефф ищет в повседневности сцены, которые возможно считать архетипами современной культуры и воспроизводит эти сцены в студии. Причем для работы над воссозданием сцен привлекаются не только профессиональные статисты, но и опытные консультанты по спецэффектам.

Такая работа является невероятно кропотливой и требует огромного количества времени. Такие затраты в чем-то коррелируют с художественной задачей, которую ставит перед собой Уолл.

Ведь художник стремится как бы полностью обобщить опыт современного человечества в отдельных сценках, пожалуй, именно словосочетанием архетип современности (каким бы парадоксальным оно не могло казаться) характеризуется содержание такой работы.

Уолл предлагает нам посмотреть на молодежь у ночного клуба или на бездомных под мостом. В общем, перед нами тщательно сконструированные сцены, которые являются типичными и всеобщими для большинства территорий современной планеты. Помимо этого нередко тут видны связи с классической живописью, благодаря чему люди, которые разбираются в искусстве, могут считывать разнообразные культурные коды.

На самом деле художник приглашает определенную часть зрителей для расшифровки послания, которое содержится в фотографии. В итоге эти работы становятся не только историческим документом, но и актуальным произведением современного искусства. Зрители видят перед собой логичный этап развития культуры, который обладает при этом и историческим значением, включает в себя элемент документалистики.

Уолл определенным образом размывает границу между документалистикой и постановочной фотографией. Современный зритель нередко воспринимает действительность именно так как преподносит кадры Джефф.

Кадры снятые этим художником похожи на полностью естественные и непостановочные, они запечатлевают действительность, как может казаться, легко и непринужденно, хотя на самом деле представляют собой огромную кропотливую работу и глубокий подтекст.

Важно

Таким образом мы видим конструирование как актуальную часть языка фотографии. Сущность самой фотографии от этого не меняется, более того мы видим как конструирование реальности способствует развитию самого искусства фотографии и художественной мысли.

Интересной особенностью работ Джеффа Уолла является использование лайтбоксов для представления собственных работ зрителям. Такой инструмент позволяет сочетать методы рекламы с эстетическим потенциалом кино и фотографии.

Источник: http://rupic.pro/skonstruirovannaya-realnost-v-fotografii-chto-eto/

Кто изобрел фотографию?

Всего просмотров: 2 569Просмотров за сутки: 25

Первый фотоснимок в истории был сделан в 1826 году французом Жозефом Нисефором Ньепсом.

Жозеф Нисефор Ньепс

Ньепс использовал камеру-обскуру и… асфальт, который твердеет в местах, освещенных солнцем.

Для создания фотографии он покрыл тонким слоем битума металлическую пластину и в течение 8 часов снимал вид из окна мастерской, в которой работал.

Читайте также:  Рисующий свет в фотографии: что это такое и как его правильно использовать

Изображение получилось, конечно, неважного качества, однако, это была первая фотография в истории человечества, на которой можно было различить очертания реальных объектов.

Принцип работы камеры-обскуры

Сам метод получения изображения Ж.Н. Ньепс назвал гелиографией, что примерно можно перевести как «рисование солнцем».

«Вид из окна» — первая фотография Ньепса, сделанная в 1826 г

Однако, наряду с Ньепсом изобретателями фотографии считаются Дагер и Тальбот. Почему так? Все дело в том, что Луи-Жак Манде Дагер, тоже француз, сотрудничал с Ж.Н. Ньепсом, работая над изобретением, однако Ньепсу так и не удалось довести свое детище до ума — он скончался в 1833 году. Дальнейшей разработкой занимался Дагер.

Луи-Жак Манде Дагер

Он использовал более совершенную методику — в качестве светочувствительного элемента у него уже выступал не битум, а серебро.

Продержав полчаса в камере-обскуре пластину, покрытую серебром, далее он переносил ее в темную комнату и держал над парами ртути, после чего закреплял изображение раствором поваренной соли.

Первой фотографией Дагера — весьма хорошего качества — стала довольно сложная композиция из произведений живописи и скульптуры. Метод, который к 1837 году открыл Дагер, он назвал своим именем — дагеротипией, а в 1839 году сделал публичным, представив его Французской академии наук.

Первый даггеротип, 1837

Примерно в те же годы англичанин Уильям Генри Фокс Тальбот открыл метод получения негативного изображения.

Уильям Генри Фокс Тальбот

Он получил его в 1835 году, используя бумагу, пропитанную хлористым серебром. Снимки выходили очень высокого для того времени качества, хотя сам процесс фотографирования поначалу занимал больше времени, чем у Дагера — до часа.

Главное отличие изобретения Тальбота состояло в возможности копирования снимков — перенести позитивное изображение (фотографию) с негатива можно было, изготовив светочувствительную бумагу такого же типа, как и для негатива.

Совет

А еще — в изобретении специальной небольшой камеры с дюймовым окошком, которую Тальбот использовал вместо камеры-обскуры — это позволило увеличить ее световую эффективность. Первым, что снял Тальбот, было решетчатое окно в комнате, принадлежавшей семье учёного.

Свой метод он назвал «калотипией», что означало «красивый отпечаток», получив патент на него в 1841 году.

Снимок окна в комнате Тальбота, 1835Калотипия московского кремля (Роджер Фентон, 1852)

Цветную фотографию изобрел Джеймс Клерк Максвелл — выдающийся британский ученый XIX века.

Джеймс Клерк Максвелл

Используя теорию трех основных цветов, в 1861 году он представил ученому сообществу первую цветную фотографию. Это была фотография тартановой ленты (лента из шотландки), снятой через три фильтра — зеленого, красного и синего цвета (использовались растворы солей различных металлов).

Тартановая лента Максвелла, 1861

Свой вклад в развитие цветной фотографии внес и русский фотограф, изобретатель, путешественник Сергей Прокудин-Горский.

Сергей Прокудин-Горский

Ему удалось разработать новый сенсибилизатор, который делал равномерной светочувствительность фотопластины ко всему спектру, что позволило придать естественность цветам на фотографии.

В начале века он, путешествуя по России, сделал огромное количество цветных фотографий. Ниже вашему вниманию представлены некоторые из них, чтобы получить представление о качестве снимков Сергея Прокудина-Горского.

Гагры. Пристань. 1905—1915Молодые русские крестьянки недалеко от реки Шексна. 1909Нило-Столобенская пустынь на озере Селигер. 1910Машинный зал Гиндукушской ГЭС на реке Мургаб. 1911Оцените прочитанное:  (5

Источник: https://daju-spravku.ru/kto-izobrel-fotografiyu/

Алексей Никишин: «Что такое современная фотография?»

Перед Вами фотография Грегори Крюдсона, известного современного американского фотографа, любимого многими почитателями художественной фотографии.

Действительно, всё очень красиво и загадочно, сцены из жизни пригорода, навивающие ощущение чего-то сюрреалистического и нереального, что вот-вот произойдет на ваших глазах.

Его супер-постановки обыденной реальности вобрали в себя страхи и фобии, выращенные в нас культурой нескольких последних десятилетий от Спилберга до Линча.

Современный фотограф Грегори Крюдсон современен не потому что снимает сейчас, а потому, что говорит с нами современным языком, находясь в диалоге с современными научно-фантастическими фильмами, мифами и современным театром. Вот яркий пример междисциплинарного диалога, в котором автор посредством фотографии исследует темы, пограничные с другими культурными территориями.

Ну, начнем с начала. Как Вы уже, наверное, догадались, не каждая фотография, снятая сейчас является современной. В каждом времени есть своя современная фотография. Ансель Адамс — современная фотография 1930-х, Брессон — 1940-х. Их работы в то время являются авангардными, созданными в диалоге со временем, историческим контекстом, современной им культурой.

Теперь мы переходим в наше время. Современной (нам) фотографией (contemporary photography) называют фотографию, как правило снятую после 1970-х годов. Современная фотография всегда создается в контексте сегодняшнего дня, реагирует на этот контекст или комментирует его (рефлексирует). Современная фотография — это референция к современной культуре.

Подпитанная современной философией, она стремится к междисциплинарным и межкультурным взаимодействиям с другими культурными областями.

«Contemporta» — значит быть вместе со временем! Современная фотография — это взгляд на фотографию с точки зрения современного искусства, а современное искусство — это наиболее репрезентативная практика настоящей культуры в целом.

Обратите внимание

Таким образом, когда наш коллега снимает черно-белые решающие моменты а-ля Брессон или прекрасный пейзаж «как Адамса», и даже красивые виды закатных гор или Каньона Антилоп, и пусть даже эти фотографии продаются за миллионы долларов, все это, не является современной фотографией! Эта фотография копирует художественные традиции, копирует реальность без какой-либо рефлексии, создана не в контексте сегодняшнего дня и без реакции на этот контекст, без каких-либо референций к современной культуре, междисциплинарным и межкультурным взаимодействиям. Все это говорит от том, что это не современная фотография и не современное искусство, а художественная (fine-art) фотография.

Людей, которые работают с современной фотографией как правило называют не фотографами, а современными художниками, потому как часто бывает так, что они работают не только с фотографий, но и другими медиа, а иногда сами даже не нажимают на кнопку фотоаппарата.

По сути мы здесь говорим о постмодернисткой фотографии, которую по аналогии с современным искусством договорились называть современной фотографией. Расцвет современной фотографии приходится на 1990-е.

Все, что снято до этого называется модернисткой фотографий (modern art photography).

Давайте теперь разберемся, как же нам отличать современную фотографию от всей остальной? Давайте рассмотрим два важных направления в современной фотографии: фотографию концептуальную и фотографию междисциплинарную.

Концептуальная фотография — это фотография, которая исследует сама себя: каким образом функционирует фотография, по каким законам и как взаимодействует со зрителем, что представляет из себя фотография как искусство.

Такая фотография часто работает в диалоге с историей искусства и историей фотографии.

Концептуальная фотография обращается к интеллектуальному осмыслению увиденного и не работает с понятием «красоты», и не занимается воспроизводством красоты окружающего мира.

Важно

Междисциплинарная фотография — это фотография, которая работает в междисциплинарных и межкультурных пространствах, исследует через фотографию актуальные вопросы современной философии, религии, науки, психологии, социологии и даже с политики. Эти работы поднимают такие темы как: повседневность, человек и общество, изменение окружающей среды, миграцию, глобализацию, медиа, общество и т.п.

Современная фотография, естественно может решать сразу и концептуальные, междисциплинарные и межкультурные вопросы в одном проекте и даже в одной фотографии.

— решает важные вопросы современного искусства, выступает как медиа современного искусства — создается в контексте сегодняшнего дня, в диалоге со временем, историческим контекстом, современной культурой, то есть поднимает вопросы, актуальные для общества именно сейчас — реагирует на свой контекст или комментирует его (рефлексия) — изучающая природу фотографии, то есть саму себя, законы своего функционирования и взаимодействия со зрителем — может находиться в диалоге с историей искусств, историей фотографии, межкультурном и междисциплинарном диалоге со смежными культурными и научными областями — используются фотографические языки, актуальные в культуре на сегодняшний день — серия-типология (вместо устаревшей фотоистории) — не занимается воспроизводством красоты окружающего мира, без веских на то причин; искусство здесь не в том, что Вы научились фотографировать

Давайте посмотрим несколько примеров и попробуем подвести итог и окончательно разобраться, что является современной фотографией, а что ей не является.

Фото © Неизвестный автор, 2013

На этой фотографии современный нам автор демонстрирует прекрасное владение фототехникой на море. Как результат — фото фантастического заката. Хотя автор снял эту фотографию сейчас, это яркий пример не современной фотографии.

Это чистый файн-арт, то есть художественная фотография. Она всего лишь демонстрирует красоту окружающего мира в конкретном месте.

Нет современного контекста, нет современных актуальных вопросов, нет междисциплинарного диалога, она не открывает нам ничего нового о фотографии.

Фото © Энсел Адамс (Ansel Adams), 1942

На этой фотографии Энсел Адамс демонстрирует нам уникальные достижения в фотографическом языке — именно в этот момент фотография стала искусством с собственными ценностями, а не придатком живописи. Это не современная (нам) фотография, а модернисткая (fine-art) фотография 1940-х, передающая красоту окружающего мира новым для того времени языком.

Фото © Майкл Кенна (Michael Kenna), 1980

За Энселем Адамсом идет прекрасный Майкл Кенна. Эта фотография снята в 1980 году нашим современником, мастером черно-белого пейзажа.

Это красивая художественная (fine-art) фотография, решенная в классической (традиционной) модернисткой манере.

Это не современная фотография, так как она не ставит и не решают никаких современных и междисциплинарных вопросов, никак не отражают современный контекст и кроме того, выполнена языком 1940-х годов. Следует заметить, что этого момента фотография уже сильно изменилась.

Фото © Мартин Парр (Martin Parr), 1980

Мартин Парр исследует язык фотографии, снимаемой сейчас, анализирует типическое и клише, которые для неё характерны.

То есть работает с современным материалом в современном контексте, находясь в диалоге с современными социологией и философией.

Совет

Хотя его фотография выполнена в любительской манере, на каждой фотографией — продуманная композиция и мысль. Это классический пример современной фотографии.

Фото © Андреас Гурски (Andreas Gursky), 2007

На фотографии мы видим захватывающее явление пит-стоп Формулы-1. Очевидно, сюжет актуален времени. Это не просто пит-стоп, а супер-мега-питс-стоп в котором гипертрофированно количество участников и зрителей.

Это аллюзия на современное общество, в котором масса людей делает что-то очень ненужное, а другие за этим наблюдают и очень этому рады.

Гурски — современный художник, и это современная фотография, так как нее не только современный язык (большой размер, невероятное количество мелких, требующих внимания деталей) и она дает аллюзии на современный важный контекст – аллюзию на глобализацию, доведенную в этой работе до абсурда.

Нажми вот здесь «Нравится»
и читай новые статьи каждый день!Полайкай эту статью и поделись
ей со своими друзьями!

Продолжаем конкурс на самые интересные вопросы по современной фотографии. Вы присылаете нам Ваши вопросы — мы стараемся на них ответить или включить их в темы наших следующих статей. Сегодня вопрос задает Иван из деревни Сенно Ленинградской области.
Он спрашивает:

«Скажите, если я завтра же начну снимать проект про то, как живет моя деревня. Это будет современный проект и современная фотография?» Ваши комментарии и новые вопросы пишите ниже.

Источник: http://www.alexeynikishin.ru/articles/sovremennaya-fotografya.html

Ссылка на основную публикацию